Tesi di diploma “From Page to Stage”

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La presente tesi nasce da un intreccio di interessi sia teorici che pratici legati a due ambiti, solo apparentemente, distanti e diversi come quello teatrale e quello della traduzione. Si propone di affrontare la disciplina della traduzione teatrale da diversi punti di vista, compresa la semiotica del teatro.

Per favorire il raggiungimento di tale obiettivo, questo lavoro è strutturato in quattro parti e si conclude con la traduzione e l’interpretazione del saggio «Tradurre per gli attori» di Robert W. Corrigan, pubblicato nel 1961 nella raccolta Craft and Context of Translation a cura di Arrowsmith e Shattuck.

La prima parte presenta il testo teatrale e la sua composizione.

La seconda partendo da alcuni accenni storici, delinea le caratteristiche proprie che distinguono la traduzione teatrale dalle traduzioni di altri tipi di testo: la dominante della recitabilità e dell’accettabilità nella cultura ricevente è la caratteristica fondamentale.

La terza parte presenta le diverse concezioni della dialettica tra testo scritto (testo drammatico) e messinscena (testo spettacolare) e le scelte che il traduttore deve fare nell’affrontare la traduzione.

Infine la quarta parte analizza il rapporto tra le figure principali coinvolte nel processo traduttivo: l’autore dell’opera, il traduttore, l’attore e lo spettatore.

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Cleopatra, 12 October 2013-2 February 2014, Chiostro del Bramante, Roma

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From 12 October 2013 Rome’s Chiostro del Bramante will be hosting an exhibition that is bound to make an impression. Showcasing 180 work of art, it revolves around one of history’s most fabled and controversal women: Cleopatra.

The world’s most important museums have joined forces to loan out numerous prestigious pieces for several months, giving rise to one of the most fascinating and spectacular exhibitions of the year.

Produced by Arthemisia Group, with its undisputed track record for staging major successful exhibitions, in collaboration with Dart Chiostro del Bramante and curated by Giovanni Gentili, who previously curated the memorable exhibition devoted to Julius Caesar, the Cleopatra exhibition not only explores her life but for the first time examines her relationship with Rome. She was barely 20 when she suduced first Julio Caesar then Mark Anthony, interlacing sex and power in a way that has been instrumental in shaping world history ever since. Not particularly beautiful but a great seductress, intelligent and determined, cultured and refined, and known for her brillant mind, she drew her strength from her free, independent personality. Perhaps the world’s very first celebrity, her reign had a cultural and political impact the like of which has not been seen since. Destined to be an icon from the start, Cleopatra is undoubtedly one of the most often portrayed and controversial figures in world history. The exhibition goes on to explore Cleopatra’s “Roman years” (from 46 to 44 B.C.), during which, as the rare, precious archeological treasures in the exhibition show, Roman customs and fashions were heavily influenced by the Queen and her court. While the ladies of the capital began to sport Egyptian hairstyles and wear jewellary featuring the image of the sacred uraeus, (the snake that symbolised Egyptian sovereignty and immortality), homes, villas and gardens were decorated with paintings, mosaics, sculptures and furnishings inspired by the “magical” kingdom: Egyptomania was in full swing. Cleopatra VII Thea Philopator, the last Queen of Egypt from 69 to 30 B.C., left an indelible mark on her era.

The Globe Theatre

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The Globe Theatre was the most important theatre in London, in the period between 1599 and 1613. In those years, William Shakespeare was at the peak of his career, and his plays were often performed in the Globe. As a matter of fact, the theatre’s inauguration consisted in the performance of one of Shakespeare’s tragedies, Julius Caesar. In the following years, other plays were performed in the theatre, amongst which King Lear, Hamlet, Macbeth and Othello.

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As you can see in the image above, the structure of the Globe is more or less circular, so it allows the audience sitting on three sides of the theatre to have a good view of what happens on stage. For this reason, the audience feels like a part of the play itself, and it also feels more engaged by the plot. 

This structures, that allows the audience to embrace the stage and the actors, is a typical English theatre structure, and it’s very different from the Italian theatres’ structures. As a matter of fact, Italian theatres only allow a frontal view of the scene, while the English stage is almost surrounded by the spectators. 

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The plays were staged during the afternoon, as the theatre didn’t have artificial illumination, and there was no set design: as a matter of fact, only a few objects could be used on stage, and only if they were important objects for the plot. 
The reason for this, is that the most important and powerful tool for the actors and the playwrights in that period was the word: the verses the actors said were what really mattered and what delivered emotions and meanings to the audience. The rest was almost unnecessary. That’s why the Globe has fantastic acoustics, which allow everyone in the theatre to hear perfectly well every single verse. 

Another important characteristic of the Globe theatre is the absence of the curtain, and also of any kind of barrier between the stage and the audience. This resulted in what can be described as a union between the actors and the spectators.

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The stage was square-shaped, and each side of it measured about 12 meters. The sound of a trumpet used to let the audience know when the show was about to start. There is also an upper stage, but the action scenes, such as the fights and the ceremonies etc, were always performed on the main stage. The sky above the theatre also provided the plays with a special atmosphere. 

Even today, the Globe is an important symbol of London, especially of its Elizabethan Era. It is also a way to understand more about Shakespeare and his career: some his plays were thought specifically on the setting of the Globe, and this theatre gives a special insight on one of the most fascinating and mysterious artists of England. 

Un chien andalou

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“Un chien andalou”, which means an andalusian dog, is a short film directed by Luis Buñuel and Salvador Dalí in 1928. This is a surreal film, created by the artists with the intent of repelling and shocking the audience. Both Buñuel and Dalí considered the films as the only way to recreate in reality the oniric situation that can be lived in dreams, and the repressed passions of the unconscious mind. 

According to the two artists, “Un chien andalou” is the result of the combination of two of their dreams, in what they described as a “magical rapport”. The title has no real meaning, giving even more a sense of meaningless and non-sense to the film. “Un chien andalou” opens with the phrase “Once upon a time”, a phrase that is usually linked to fairytales. Yet, this short film is far from being a fairytale: in it, we can find some of the most disturbing scenes in the history of cinema. 

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The most famous scene of the film is the one we can watch in the first minutes: smoking a cigarette, a middle-aged man (Buñuel himself) sharpens a razor at his balcony door, with cheerful tango music in the background. Then, as the moon is engulfed by a cloud, he calmly slices the woman’s eye with the razor. Yet, in the next scene, we see she is unharmed. 

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In another scene, a man stares fascinatedly at his own hand, and when the camera focuses on it, we can see that it has a deep hole in it, and some ants are crawling out of it. Later, that same man moves his hand across his mouth and then his mouth disappears. 

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We can also see Dalí in another scene: the man, in order to impress the woman he loves, drags into the room two grand pianos, each with a bleeding horse head on top, and a priest tied to it. One of the priests is Dalí (the man on the right, in the picture above).

In “Un chien andalou”, time is all but conventional. As a matter of fact, some characters die and come back unscathed in the following scenes, as if nothing has happened to them. Also, around the last few minutes of the film, there is the indication “16 years before”, but the scene appears to take place in that same day of the previous scenes. 
The film ends with the image of the two lovers, now both dead, who are buried in the sand up to their chests. 

One of the reasons why this film is so famous is that it uses film conventions in order to sabotage reality. This, together with its ability to shock and confuse the audience, made it become a landmark in film and art history. 

Margherita Hack: una vita controcorrente guardando le stelle

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“Della morte no. Io sono d’accordo con gli epicurei. Finchè son viva non c’è la morte,  quando c’è la morte non ci sono più io. Quindi non ha senso aver paura”
(Margherita Hack, rispondendo alla domanda: Di cosa ha paura?)

Sono passati pochi giorni dall’arrivo della triste notizia della morte di Margherita Hack, astrofisica, scienziata e scrittrice italiana che è sempre stata considerata un orgoglio per il nostro Paese. Mente brillante, intelligenza vivace ed amore per l’insegnamento, Margherita Hack viene ricordata con ammirazione e gratitudine da tutti coloro che hanno apprezzato le sue scoperte, le teorie e che hanno avuto modo di leggere uno dei numerosi libri da lei pubblicati negli anni.

A tal proposito, vorrei ricordare un’opera in particolare, il libro “Io credo, dialogo tra un’atea e un prete”, pubblicato lo scorso anno. Come da titolo, si tratta di un confronto aperto tra Margherita Hack, dichiaratamente atea ma dalla sensibilità cristiana, e Don Pierluigi Di Piazza, prete di frontiera che ha fondato il centro di accoglienza dedicato a Padre Ernesto Balducci, tra i primi in Italia. A far da mediatrice in questi dialoghi è Marinella Chirico, che ha poi curato il volume per le edizioni Nuova Dimensione. Il libro è un confronto perpetuo su argomenti come diritti, solidarietà, fede, politica, ma anche dell’amicizia ventennale che lega queste due personalità. Infatti, nel 1993, Don Pierluigi Piazza aveva chiamato Margherita Hack nella sua chiesa per un dialogo tra fede ed ateismo, e da quel momento vi erano stati altri incontri tra di loro, tutti all’insegna dello scambio e della riflessione. Per dirla con le parole di Piazza: “Quando una persona afferma di essere credente, ed un’altra dice di essere atea, lì comincia il discorso, non finisce”. Questo è il principio alla base dell’opera, ben lontana da prese di posizione e chiusura mentale, bensì basata sulla voglia e l’opportunità di allargare i propri orizzonti e prendere in considerazione punti di vista opposti. 

Alla presentazione del libro, a Firenze, moltissime persone erano andate ad assistere, mosse dalla curiosità e dall’interesse per questa contrapposizione di menti e percorsi diversi ma in un certo qual modo affini. 

Il libro contiene anche due lettere scritte da Margherita Hack e da Don Pierluigi Di Piazza, e delle foto che ritraggono entrambi durante i loro numerosi incontri, nel periodo in cui preparavano la stesura del libro. In alcune di esse compare anche Aldo, marito di Margherita, con cui ha condiviso quasi settant’anni della sua vita. 

Stanley Kubrick

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La carriera di Stanley Kubrick ebbe inizio negli anni Cinquanta, con una serie di documentari e due produzioni indipendenti, ad oggi non semplici da reperire. Per tutta la sua attività cinematografica, questo regista è riuscito a spaccare in due l’opinione pubblica con i suoi film, che spesso non erano compresi a pieno dal pubblico. La sua indipendenza nelle scelte riguardanti le sue pellicole, hanno fatto sì che si creasse ben presto un seguito appassionato alle sue produzioni, che ha sempre difeso i suoi film da critiche e da attacchi. Al contrario, invece, i critici cinematografici hanno espresso opinioni negative ed aspre in diverse occasioni, all’uscita dei film più importanti del regista. 

La questione, per quanto riguarda Kubrick, è che i suoi film tendono ad essere stroncati dalla critica e da parte del pubblico, ma poi rivalutati nel corso degli anni, come è successo ai suoi più grandi capolavori. Per questo, si era soliti dire che l’affluenza nelle sale e le opinioni di pubblico e critici subito dopo l’uscita del film non erano un metro di giudizio affidabile per i film di Kubrick, perchè il loro vero valore non veniva mai colto nell’immediato. 

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In un’intervista del 1960, Stanley Kubrick disse: “Non ho idee fisse sul voler fare film che rientrino in una determinata categoria – western, film di guerra e così via. Mi piacerebbe fare un film che trasmetta il senso del periodo – una storia contemporanea che riesca realmente a riprodurre le sensazioni di un’epoca, a livello psicologico, sessuale, politico, personale. Mi piacerebbe riuscire a far ciò, più di ogni altra cosa. E quello sarà probabilmente il film più difficile da girare”.
Ad oggi, guardando la sua produzione cinematografica si può dire che a suo modo, ciascuno dei film di Kubrick rappresentava il periodo in cui fu rappresentato, anche se forse non nel modo in cui il regista avrebbe voluto. Un film come 2001: Odissea nello spazio, pur inserendo temi decisamente futuristici (come l’intelligenza artificiale), è un film che rispecchia gli anni in cui fu girato, con la corsa allo spazio da parte di America e Russia. Lo stesso si può dire de “Il dottor Stranamore, ovvero  come imparai a non preoccuparmi e ad amare la bomba”, che offre una visione satirica della distruzione mutua assicurata, strategia ideata negli anni Sessanta, nel bel mezzo della Guerra Fredda, riguardante l’uso di armi atomiche.

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Ciò che spesso accadeva, quando i film di Kubrick uscivano nelle sale, era che il vero senso della pellicola non veniva compreso e quindi il lavoro del regista subiva pesanti critiche. Questo si può attribuire in parte anche alla sbagliata concezione che Kubrick aveva degli spettatori: egli era convinto che il pubblico avrebbe seguito con interesse una storia che trattava con serietà argomenti come la morte e l’amore, offrendo spunti di riflessione. Per questo cercava sempre di unire l’intrattenimento all’arte, o meglio: di celare la sua arte sotto uno strato di intrattenimento, di modo che i suoi film si prestassero a diversi livelli di lettura e comprensione, e che fossero fruibili da un pubblico variegato. Ciò non sempre funzionava. Spesso i film di Kubrick venivano accolti con perplessità, come accadde per film come “Barry Lyndon”, “Shining”, e lo stesso “2001: Odissea nello spazio”, che saranno poi rivalutati nel tempo.
Stanley Kubrick con gli attori Jack Nicholson e Shelley Duvall sul set di Shining

Stanley Kubrick con gli attori Jack Nicholson e Shelley Duvall sul set di Shining

Una situazione analoga si era andata a creare al momento dell’uscita dell’ultima pellicola di Kubrick, “Eyes Wide Shut”, che fu presentata nelle sale cinematografiche quattro mesi dopo la morte del regista. C’era una grande aspettativa verso questo film, in quanto il pubblico era molto curioso di vedere in che modo un regista così particolare avrebbe affrontato il tema della crisi matrimoniale di un dottore e di sua moglie. Il risultato è un film ben più impegnativo di quanto non sembri a prima vista, che alterna ciò che è visibile a ciò che è nascosto e che lo spettatore deve percepire da sè, stando attento alle sfumature e agli indizi che il regista propone tra una sequenza e l’altra. Nonostante il pubblico si aspettasse di vedere scene sensuali tra i due protagonisti (Tom Cruise e Nicole Kidman, ai tempi della loro unione), e sperasse ci fossero degli elementi di erotismo nella pellicola, in realtà Kubrick non eccede in questo senso, preferendo affidare a sguardi e piccoli gesti le sensazioni e le impressioni di una storia d’amore che va avanti da anni e che sembra aver perso intensità. Lo sguardo, e più in generale gli occhi e la vista, sono motivi ricorrenti nel film, quasi come se Kubrick giocasse con lo spettatore, sfidandolo a notare e a cogliere quegli elementi celati nella trama.

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Il continuo passaggio tra il visibile e il non visibile, il mostrato e il celato, il pubblico e il privato, fa sì che il vero significato del film “Eyes Wide Shut” sia in ciò che viene definito il sottinteso. 

Nel corso di una carriera di quasi cinquant’anni, Stanley Kubrick ha spaziato molto nel campo della cinematografia, esplorando vari generi e portando il suo stile in produzioni che sono diventate dei veri e propri capolavori del cinema a livello internazionale. 

Nei suoi film, Kubrick mostra la continua lotta dell’uomo alle prese con l’ambiente circostante, con gli imprevisti, con i pericoli che ne insidiano la tranquillità, che portano a rivalutare e a mettere in discussione ogni certezza, attraverso situazioni talmente diverse tra loro che non è sempre semplice riuscire a cogliere quel filo che unisce molte delle sue opere. Eppure queste avversità sono il vero leit motif, ed uno dei punti di forza della cinematografia di questo regista.

Il Secondo Sesso

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« La donna? è semplicissimo – dice chi ama le formule semplici: è una matrice, un’ovaia; è una femmina: ciò basta a definirla. In bocca all’uomo, la parola “femmina” suona come un insulto; eppure l’uomo non si vergogna della propria animalità, anzi è orgoglioso se si dice di lui: “È un maschio! »Simone De Beauvoir, Le Deuxième Sexe

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“Il Secondo Sesso” è un libro che fu pubblicato nel 1949 a Parigi, scritto da Simone De Beauvoir. Scrittrice e filosofa, l’autrice si può considerare tra le madri del movimento femminista, ed è sicuramente una delle personalità femminili più rilevanti del Novecento in Francia. Venne spesso descritta come una donna determinata, che viveva la sua vita con l’ardore e l’intensità di chi vuole far la differenza, di chi cerca di cambiare il mondo, almeno un po’. Non era unicamente dedita all’uso dell’intelletto, al contrario: era una persona profondamente consapevole del proprio corpo, il che contribuì a farle sviluppare una visione ben precisa della condizione femminile della sua epoca. 

Ben nota fu la sua relazione con il filosofo esistenzialista Jean-Paul Sartre, che fu intensa e duratura. Ad unirli erano le loro idee, il loro stile di vita, il loro intelletto, ma mai il matrimonio: infatti, i due non si sposarono mai, preferendo scegliersi l’uno con l’altra giorno dopo giorno, al di là di quei vincoli che rifiutarono di porsi. 

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La pubblicazione de “Il Secondo Sesso”, fu un passo che si rivelò fondamentale non solo in Francia, ma col passare degli anni anche in tanti altri paesi. Quest’opera aprì gli occhi a moltissime donne, permettendogli di rendersi realmente conto della propria condizione e delle iniquità che ogni giorno della loro vita avevano subito senza neanche coglierne a pieno la gravità. Si tratta di un vero e proprio ritratto della condizione femminile, grazie ad una visione lucida e a tratti impietosa, che ai tempi risultò addirittura sconvolgente per alcuni versi. Mostra un mondo in cui essere maschi è la norma, con tutto ciò che ne consegue per quanto riguarda il potere, l’influenza e le possibilità che essi hanno, mentre la donna è considerata “l’altro”, una semplice variante. Proprio per questo, esse sono catapultate dalla nascita in un mondo fatto su misura degli uomini, a cui devono adattarsi, accontentandosi degli spazi che l’uomo gli concede e della poca libertà e indipendenza a cui possono ambire. La sua speranza è che aprendo gli occhi delle donne, queste possano cercare di combattere queste limitazioni e cercare di sovvertire una forma di pensiero che è esistita per secoli. 

La struttura de “Il Secondo Sesso” è a tre parti: Destino, Storia e Miti, e attraverso questa divisione l’autrice riesce ad analizzare la questione femminile sotto vari aspetti. Ciò che ne risulta è che la donna è caratterizzata da una posizione subordinata all’uomo fin dai suoi primi anni di vita. A tal proposito, l’autrice analizza anche le varie tappe della vita della donna, partendo dalla sua infanzia e passando per la pubertà fino ad arrivare alla vecchiaia. Vengono analizzati anche diversi profili femminili, sottolineando la differenza tra categorie come la sposa, la madre, la prostituta, l’innamorata, la lesbica, e così via. I comportamenti sono diversi di profilo in profilo ma l’autrice sottolinea quella linea di congiunzione che lega ciascuno di essi, e che va a sostenere la sua tesi: la situazione della donna è universale, indipendentemente dai contesti e dagli stili di vita. 

Un altro argomento che Simone De Beauvoir affronta è la carriera delle donne e la loro realizzazione professionale. Questo è un punto importante del libro, in quanto l’autrice spiega come la donna stessa pensi di non essere all’altezza, di non poter accedere a determinate posizioni e pertanto lascia da parte le proprie ambizioni per rifugiarsi nel ruolo che nessuno può contestarle, in quanto è l’unico che le viene riconosciuto sul serio: quello di moglie amorevole e di madre. Inoltre, per Simone De Beauvoir, è importante che si raggiunga la parità dei diritti, oltre che quella di salario, perchè nel libro dimostra come le donne vengano pagate molto meno rispetto agli uomini che praticano la loro stessa professione. Una conclusione importante a cui l’autrice giunge, è che la parità di diritti renderebbe entrambi i sessi più liberi ed indipendenti, in quanto nelle coppie, la donna potrebbe dedicarsi al lavoro e questa dedizione la renderebbe meno dipendente ed oppressiva con il proprio uomo. 

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Dopo diversi anni dalla pubblicazione del libro, Simone De Beauvoir perse il favore e la stima di alcune femministe, specialmente in Inghilterra. Il motivo di ciò furono le cose narrate dalla stessa scrittrice nella sua autobiografia, ed alcuni suoi comportamenti che in molte considerarono in contrasto con le posizioni dichiarate ne “Il Secondo Sesso”. Ad esempio, Simone De Beauvoir considerava la sua storia con Jean-Paul Sartre come il più grande successo della sua vita, e lo riteneva una persona superiore a lei per intelletto e forza d’animo. Inoltre, mentre Sartre era solito portare avanti relazioni al di fuori della loro storia, Simone De Beauvoir sentiva molto meno il bisogno di avere degli amanti ed era spesso gelosa di Sartre. Tutto questo era in antitesi con il tentativo di spronare le donne ad essere meno dipendenti dagli uomini, tuttavia a queste polemiche non venne data troppa importanza in quanto sarebbero servite solamente a distruggere l’immagine di quella che venne considerata una delle paladine delle donne a livello internazionale.

Indipendentemente da tutto, con il suo libro Simone De Beauvoir non ebbe paura di esporsi, di cercare di ribaltare dei processi umani e antropologici che andavano avanti da secoli, perchè a spingerla era una forza incredibile, quella della volontà di risvegliare le coscienze delle donne, di metterle di fronte alle ingiustizie e ai controsensi della società nei loro confronti, in modo che potessero ribellarsi, provare a combatterli, rivendicare il diritto di essere qualcosa di più di un “secondo sesso”. 

The Merchant of Venice by William Shakespeare

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The Merchant of Venice is a play written by Shakespeare around 1597, before the great tragedies of Shakespeare’s later years. It is set in Venice, and it is likely that the author drew inspiration from various Italian stories when he chose his characters, such as the merchant, the fair lady and her poor suitor. The play consists of five acts, and it deals with two different situations at the same time: the main plot is the dispute on money matters between Antonio and a Jewish moneylender, Shylock, while the subplot focuses on the rich lady Portia, who lives in Belmont and who must choose a husband.

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The play starts with Antonio, a merchant, who’s walking through the streets of Venice while he talks to his friends, Bassanio, Gratiano and Lorenzo, about a foreign trade in which he has invested all of his money. Bassanio needs to obtain a loan, and he intends to ask Shylock, a moneylender, but Antonio suggests him not to do so, because according to him, Shylock is nothing more than a greedy usurer. This is when the character of Shylock comes into play, and after expressing all of his contempt for Antonio, he agrees to supply Bassanio with three thousand ducats for three months, at the condition that if Bassanio fails to repay him in time, Antonio is to give a pound of his flesh to Shylock. Antonio agrees, and the deal is made.

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The reason why Bassanio needs the money is that he wants to travel to Belmont in order to woo Portia. Portia’s recently dead father had arranged a marriage plan for her: according to his will, Portia’s suitors must undergo a test which involves choosing among three caskets or chests, one made of gold, one of silver and one of lead.

In Belmont, two of the suitors take the test. The Prince of Morocco chooses the golden chest, and finds an image of Death inside it, while the Prince of Arragon chooses the silver chest and finds a picture of a blinking idiot. When it’s Bassanio’s turn, he chooses the lead chest and inside it he finds a portrait of Portia. The lady agrees to marry him.

Meanwhile, Antonio’s ships have been wrecked, and this means that he cannot repay Shylock. For this reason, he is imprisoned and while he is in jail, Portia decides to disguise herself as a lawyer and defend Antonio. A trial takes place, in which Portia first asks Shylock to drop the charge against Antonio in change of a huge sum of money, but the usurer refuses. Portia then points out to the Court that it was Shylock who committed a crime: he, a non-citizen of Venice, has threatened the life of a citizen, Antonio, and therefore he is subject to the death penalty. In the end, the Duke of Venice spares Shylock’s life and allows him to retain part of his wealth if he converts to Christianity. Antonio is free of all charges, and the play ends on a happy note.

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Many critics have debated for years whether Shakespeare supported the anti-Semitism of his characters in this play. During the period in which the author lived, Jews were marginalised, and they were seen as villains and were objects of mockery. Still, Shylock’s character is complex: Shakespeare makes him human by making the audience understand that he acts like he does because of all the injustice he has received from the Christians, who have always considered him an outsider, never a citizen. For this reason he elicits pity and compassion from the readers and audiences, but he still can’t be seen in a totally positive light, as he plotted to murder Antonio.

In this play, the main difference between the Christian characters and Shylock is that the formers regard human relationships as more valuable than business ones, while Shylock is only interested in money. For example, Antonio, who is a merchant, lends his money free of interests, and accepts to repay Shylock for Bassanio’s loan, because they’re really close friends.

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In his “Lectures on Shakespeare” at Princeton University, W.H. Auden, a well-known literary critic, said in 1946: “With memories of the horrors of the last ten years and forebodings about anti-Semitism, it is difficult to look objectively at a play in which the villain is a Jew. But we must in order to understand it. In England in Shakespeare’s day, English writers didn’t know Jews, who had been expelled by Edward I in 1290 and not readmitted until the time of Cromwell. A few years before the play was written, there had been a law case in which Dr. Roderigo Lopez, a Portuguese Jew who was physician to the Queen, was tried and executed for treason – it was a frame up. Whatever prejudice against the Jews existed among Elizabethans, it was not racial. Religious differences in the play are treated frivolously: the question is not one of belief but of conformity. The important thing about Shylock is not that he is a Jew or a heretic, but that he is an outsider”

I luoghi del neorealismo

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Il Neorealismo è considerato a tutti gli effetti una corrente del cinema italiano, caratterizzata da un tentativo di mostrare alcune realtà della nostra penisola nel periodo del Dopoguerra. Proprio per questo motivo, nelle varie produzioni cinematografiche neorealiste, troviamo spesso ambientazioni cittadine e la loro classe operaia, e realtà di paesi, spesso del Sud dell’Italia. Film come “Caccia Tragica” (1947), dramma popolare di Giuseppe De Santis, per esempio, erano incentrati sulle ingiustizie ed i disagi delle zone rurali del nostro paese, che spesso sembravano quasi dei piccoli mondi a parte, staccati dal resto dell’Italia.

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Sebbene una grande attenzione alle condizioni dei paesi italiani si possa ritrovare in alcuni film di registi come Giuseppe De Santis, Pietro Germi, Alberto Lattuada e Luigi Zampa, sono in realtà i film di De Sica, Visconti, Rossellini, ambientati in città, a venire più facilmente alla memoria delle persone, forse per il loro maggiore successo anche a livello di critica internazionale. Non sarebbe dunque corretto parlare di una prevalenza effettiva delle ambientazioni cittadine su quelle rurali, nei film neorealisti.

Qualsiasi fosse la località in cui i film venivano girati in quel periodo, vi è un filo conduttore che lega ciascuna opera, uno stesso intento da parte dei registi: la realtà non viene abbellita, non si ha paura di mostrare l’Italia per ciò che era a quel tempo, nel bene e nel male, senza mascherare le brutture o gli elementi che rivelavano la crisi sociale che stava attraversando il Paese. Le differenze che emergono in alcune pellicole tra la vita al Nord e la vita al Sud, mostrano un quadro dell’Italia frammentato, in cui quell’unità raggiunta non sembra quasi un’unità effettiva; allo stesso tempo, però, i film neorealisti mostrano anche una coesione e un’unione tra persone delle stesse regioni, che diventano alla stregua di piccoli stati a loro volta.

Riflettendo sui luoghi del neorealismo, potremmo citare la borgata romana di Pietralata raffigurata nel film “L’onorevole Angelina”, di Luigi Zampa, con un’ottima Anna Magnani nei panni di paladina della gente del posto; in questo film vediamo abitazioni fatiscenti, costruite oltretutto su un terreno a rischio di inondazione, vediamo la borgata in tutta la sua decadenza, che lascia un senso di malinconia nello spettatore, grazie anche alla storia narrata.

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Un’altra ambientazione caratteristica è quella del film “Riso Amaro”, di Giuseppe De Santis. Qui la storia si svolge in un contesto rurale, tra paesini e risaie, in quanto le protagoniste, interpretate da Silvana Mangano e Doris Dowling, lavorano in nero, in un gruppo di mondine. In particolare, Francesca, interpretata dalla Dowling, lavora nelle risaie per non essere trovata, dopo aver commesso un furto.

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In “La terra trema”, di Luchino Visconti (1948), il regista ci offre una visione della realtà siciliana di Aci Trezza, un porticciolo vicino Acireale. Nel seguire le vicende della famiglia Valastro, alle prese con ricatti, miseria e situazioni problematiche, lo spettatore si immerge nella realtà di quel tempo, grazie anche all’uso di attori non professionisti che parlano nel proprio dialetto. Il film, ispirato al libro di Giovanni Verga, “I Malavoglia”, suscitò del malcontento in una parte degli abitanti di Aci Trezza, convinti che mostrasse il proprio paese in maniera troppo negativa.

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Infine, come non citare uno dei capolavori del neorealismo: “Roma città aperta” (1945) di Roberto Rossellini. Le riprese del film furono improvvisate nelle strade di Roma, perchè all’epoca non era possibile girare a Cinecittà, ancora utilizzata per accogliere gli sfollati in seguito alla guerra. Gli interni furono girati nel vecchio teatro  Capitani,  in via degli Avignonesi, poco lontano da Via del Tritone. La scena principale del film, con la morte di uno dei personaggi principali, fu girata nel quartiere Prenestino-Labicano, più precisamente in via Montecuccoli. Questa scena è tra le scene più toccanti e memorabili del cinema neorealista.

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